En estas últimas tres semanas de curso, trabajamos a partir de la obra de Paolo Uccello, un pintor cuatrocentista y matemático italiano, que destacó por su obra pionera en la perspectiva visual en el arte.
Trabajamos a partir de tres obras suyas:
En la primera semana, trabajamos sobre fondo negro con barra chunky blanca, sin precisar mucho detalle, buscando sobre todo las formas más generales y que se visualizan más fácilmente de estos cuadros del artista italiano.
En la segunda semana, trabajamos más con la estructura geométrica de la composición, primero más general y después precisando más detalles.
Y por último, en la tercera semana trabajamos con la técnica del collage.
Aunque sabemos que el trabajo cuenta con algunas carencias y elementos sobrantes por su banalidad, como las escenas del principio en las que Marina y Daria entran en la escuela por sitios distintos, quedamos bastante contentos con el resultado.
Se siguió trabajando en ello hasta conseguir este último resultado.
En estas dos últimas semanas, hemos estado trabajando en técnicas tanto húmedas como secas a partir de las cárceles de Piranesi.
Piranesi fue un arquitecto y grabador italiano del siglo XVIII, quien realizó a lo largo de su vida más de 2000 grabados de edificios reales e imaginarios.
En la primera, dibujamos en nuestros cuadernos de técnicas mixtas con los rotuladores pentel y tintas estilográficas.
A parte de las técnicas húmedas, también trabajamos sobre estos grabados con un lápiz blando; esta vez estableciendo relaciones y líneas que construyen el dibujo.
En la segunda semana que hemos trabajado con estos grabados, lo hicimos en tamaño din A1 y sobre fondo negro, utilizando barra chumky blanca.
En un primer momento, trabajamos con manchas, simples manchas que nos indicasen profundidad e iluminación. Y después, estableciendo relaciones, como en la semana anterior.
Dado que tenemos que elaborar un vídeo artístico, se nos propuso ver y analizar algunos vídeos de profesionales.
Vimos The Reflecting Pool y Anthem del artista estadounidense Bill Viola. Los estuvimos comentando en clase, sobre todo el segundo, acerca del cual tenemos que hacer un análisis más extenso en nuestros blogs.
Como se nos propuso, hice un eje en el que quedan plasmados los elementos que más se repiten: la banda sonora y la presencia de la niña.
Lo primero sería hacer un análisis general del corto. Yo lo interpreto como un grito de reivindicación de la vida, de protesta por todos los aspectos que nos la hacen más difícil y por la decadencia de valores que, según Bill Viola, se ha producido en Estados Unidos y que, para mí, también se da en el resto del mundo.
El corto es una protesta hacia la industrialización, la contaminación y las nuevas tecnologías. En un principio, se nos hace ver la peor parte de la nueva sociedad tecnológica, la que contamina, la que nos hace talar árboles y bosques para dar lugar a más tecnología, más industrias y más fábricas. Pero, hacia la mitad del corto, vemos una operación a corazón abierto. ¿Qué se nos quiere dar a entender con esto? Yo creo que nos hace plantearnos esta pregunta: ¿Sobreviviría esta persona, con su corazón en mal estado, si no existiese la tecnología? A partir de entonces, se nos muestra la cara buena de ésta, la que nos salva de la muerte. Si no existiese la ciencia, y todos los instrumentos con los que se nos operan, aquellos que hacen de nuestras vidas unas más longevas, aquellos con los que se nos extirpa un tumor maligno o con los que se nos trasplanta un riñón, ¿seguiríamos vivos muchos de nosotros? Sin duda alguna, Viola quiere abrirnos los ojos.
En segundo lugar, Bill Viola nos muestra ese grito de reivindicación de la vida a través del sonido que introduce en el vídeo. No sabemos qué es exactamente; a veces parece una bocina, otras un animal aullando, otras un chillido y otras una fábrica. Yo lo interpreté como un grito.
En un principio, el sonido y la presencia de la niña no coinciden en un mismo intervalo, es decir, aparece la niña, desaparece y empieza a sonar el grito, se para el grito y aparece la niña, y así sucesivamente.
Llega un momento en el que la niña bebe agua, y al hacer esto, lo que hace es beber vida, retomar fuerzas para seguir gritando y quejándose de la sociedad en la que vive. Y es, después de esto, cuando aparecen en escena la niña y el sonido simultáneamente. Y es aquí cuando grita más fuerte y con más ganas que nunca.
Por otra parte, ¿por qué una niña y no una persona de mediana edad o un anciano? Porque los niños son el futuro. Esta niña se queja de la vida, del mundo que le estamos dejando los mayores.
En muchos momentos del vídeo aparece maquinaria industrial que marca un ritmo, como si estuviera emulando el latido del corazón. Así mismo, también aparece fuego y luces parpadeantes, acerca de las cuales podemos pensar que se refieren a lo mismo que estas maquinarias.
También tiene mucha importancia en este corto la circulación de la sangre, que la interpretamos a partir de la resina, de las venas marcadas en el brazo de un hombre, y de la serpiente que avanza a través de una grieta en una pared.
De algún modo, existe una especie de ambigüedad en el vídeo. Por una parte, nos habla de lo malo que es la ciencia y la tecnología, pero por otro nos enseña que es lo que nos salva en muchas circunstancias.
Yo creo que con esto, lo que hace Bill Viola, es dejarnos un final abierto. Nos invita a que seamos nosotros quienes juzguemos si esta nueva sociedad tecnológica es mejor o peor, nos invita a reflexionar acerca de todos los aspectos en él reflejados.
Siguiendo en la línea de los cuadros de Hopper, se nos ofrece la oportunidad de proponer un nuevo modo o una nueva forma de trabajo para seguir trabajando con ellos.
En esta propuesta, hablamos de hacer un vídeo, un cómic algo más extenso, fotografías de nosotros mismos "haciéndonos pasar" por los personajes de estos cuadros, e incluso, barajamos la idea de hacer una performance.
Tras esto, llegamos al acuerdo de hacer un corto.
Al día siguiente fuimos, en grupos, a investigar lugares interesantes de la escuela y hacer fotos si encontrábamos alguno que nos pareciese sugerente como escenario de este corto.
También hicimos grupos de 5, en los que a cada uno de los componentes le corresponde una función: director, director de fotografía, director artístico, guionista y editor.
Mi propuesta, a partir de esto, es acerca de cómo hacer este corto.
Pensé en hacer un corto mudo, en el que nosotros, los protagonistas de estos escenarios, nos mostremos absortos, pensativos, evadidos del mundo, tal y como los protagonistas de los cuadros del pintor americano.
Personas que no hablan, que están sumidas en su pensamiento, en su espacio interior, mientras que el resto del mundo sigue a su ritmo, con su gente, sus intereses y sus costumbres.
Yo creo que no hace falta que encontremos un lugar que se asemeje a un escenario de un cuadro de Hopper, sino que opino que cualquier sitio en el que haya gente que actúe con normalidad, es válido. No sé si he conseguido plasmar lo que quería explicar. En resumen, quiero destacar la situación de los personajes de estas obras, su incertidumbre, su pensamiento, su meditación en contraste del resto de gente que sigue el curso y el ritmo frenético del mundo.
Seguimos con las mismas técnicas, pero esta vez tratando temas de la naturaleza: árboles. Entrenándonos así para salir a pintar al parque árboles de forma directa, sin partir de la interpretación de un autor.
Aquí introducimos tintas de color azul y rojo, que nos permite conseguir efectos bastante interesantes.
Seguimos empleando como técnica la tinta estilográfica negra y la lejía para borrar y conseguir así efectos amarillentos y ocres. En estos, además, introduje la témpera blanca o "gouache" para hacer las nubes o niebla que rodea aquellas montañas y acantilados.
Es en estos dibujos cuando empezamos a introducir elementos de la naturaleza tales como árboles, acerca de los cuales tan solo plasmamos las sombras.
Para hacer estos dibujos utilicé tinta estilográfica negra (aunque parezca azul en muchos dibujos) mezclándola de manera distinta, aplicándole más o menos agua; lejía para eliminar esta tinta y un pilot negro para conseguir esas líneas tan finas que esa textura tan interesante producen.
Emulamos varias pinturas chinas, que, a mi parecer, son muy interesantes. Aunque Turner tiene unas acuarelas impresionantes, dibujar en base a estos dibujos se me hizo mucho más fácil y entretenido. Con esto no quiero decir que la pintura china sea "más fácil" que la de Turner, sino que ésta primera me parece mucho más impulsiva en comparación a la del pintor inglés, la cual es más elaborada, más cuidada y más estudiada, y por eso me resulta más difícil.
He de decir que, aunque claramente tenga que seguir intentándolo y mejorando, acabé bastante contenta con lo que conseguí.
Trabajamos a partir de las acuarelas de Turner, quien "manchaba" el papel y con pequeños toques dejaba intuir el resultado final del dibujo aun sin haberlo perfilado por completo. Empleamos como técnica tinta estilográfica y lejía.
Empleamos una de las técnicas de Pollock: el dripping. Utilizamos acrílicos de color negro, blanco y ocre amarillo, tratando de hacer retratos poco convencionales.
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